L’accordage open g, appelé en français sol ouvert, transforme la guitare en instrument de riffs, de bourdons et de slide presque instantanément. Avec trois cordes modifiées seulement, on obtient un accord majeur complet à vide, ce qui change la manière d’accompagner, d’écrire et même d’entendre le manche. Dans cet article, je détaille le principe, la mise en place, les formes d’accords qui deviennent plus simples et les pièges à éviter pour que l’essai soit vraiment utile.
Les points essentiels à connaître avant d’essayer cet accordage
- Les cordes se règlent en D-G-D-G-B-D de la plus grave à la plus aiguë.
- Le grand intérêt, c’est de jouer un accord majeur complet sans appuyer aucune case.
- Les riffs, le slide et les accompagnements avec cordes à vide gagnent en ampleur, mais certaines suites d’accords deviennent moins intuitives.
- Une guitare avec vibrato flottant ou un tirant trop léger peut demander un réglage plus attentif.
- Avec un capodastre, on transpose facilement la couleur tout en gardant les mêmes formes.
Pourquoi l’accordage en sol ouvert plaît autant aux guitaristes
Je le conseille souvent à ceux qui veulent sortir de la logique standard sans apprendre un système entièrement nouveau. En sol ouvert, la guitare réagit très vite: un simple balayage des cordes suffit pour entendre une couleur harmonique pleine, presque “terminée”. C’est ce qui explique son succès en blues, en rock roots, en folk et chez les amateurs de slide: les cordes ouvertes créent immédiatement une base harmonique solide, et le manche devient un terrain de motifs répétitifs, de doubles notes et de glissés expressifs.
Le point fort n’est pas seulement la facilité. Cet accordage met en avant les cordes à vide, c’est-à-dire les cordes non frettées qui continuent de résonner pendant que la main gauche bouge. Résultat: le son paraît plus large, plus vivant, parfois plus brut aussi. C’est précisément ce caractère qui le rend intéressant pour écrire un riff ou densifier un accompagnement sans alourdir le jeu. La suite logique, c’est de voir comment le régler proprement avant de chercher les premiers accords.
Comment accorder la guitare pas à pas
La référence de départ, de la corde la plus grave à la plus aiguë, est simple: D-G-D-G-B-D. Concrètement, on baisse la sixième corde d’un ton, on baisse la cinquième corde d’un ton, la quatrième et la troisième restent inchangées, la deuxième reste inchangée, et la première redescend aussi d’un ton. Si vous utilisez un accordeur chromatique, allez corde par corde sans forcer: la stabilité compte plus que la vitesse.
| Corde | Accord standard | Sol ouvert | Variation |
|---|---|---|---|
| 6e | E | D | - 1 ton |
| 5e | A | G | - 1 ton |
| 4e | D | D | Aucun changement |
| 3e | G | G | Aucun changement |
| 2e | B | B | Aucun changement |
| 1re | E | D | - 1 ton |
Je recommande toujours de vérifier ensuite l’intonation à l’oreille: jouez la corde à vide puis la même note à l’octave, ou comparez avec un accord barré simple. Sur une guitare électrique à vibrato flottant, cette étape est encore plus importante, parce que la baisse de tension déplace l’équilibre du chevalet. Une fois l’instrument calé, vous pouvez passer aux formes qui rendent cet accordage vraiment pratique.
Les formes d’accords qui deviennent immédiates
Le premier avantage, et le plus spectaculaire, c’est que l’accord de sol majeur sonne à vide. Vous n’avez rien à plaquer: un coup de médiator et l’harmonie est déjà là. C’est idéal pour installer un motif d’introduction, une chanson à deux accords ou un accompagnement où la main droite travaille la dynamique plus que la complexité des doigtés.
- Les barrés droits sur plusieurs cases produisent des accords majeurs mobiles très lisibles.
- Les doubles cordes sur les deux premières cordes prennent vite une couleur de riff.
- Les motifs de slide gagnent en netteté, parce que l’accord est déjà contenu dans les cordes ouvertes.
- Les drones, c’est-à-dire les cordes qui restent volontairement à vide, donnent une assise très musicale aux phrases mélodiques.
Pour se repérer rapidement, un barré complet à la 2e case donne la majeur, à la 5e case do majeur et à la 7e case ré majeur. Ces repères suffisent déjà à jouer plusieurs progressions sans changer de forme, ce qui explique pourquoi je le trouve si efficace pour l’accompagnement. La limite, et elle est réelle, c’est que les réflexes habituels de la guitare standard ne se transposent pas tous automatiquement.
En quoi il se compare aux autres accordages ouverts
| Accordage | Couleur sonore | Usage le plus naturel | Limite principale |
|---|---|---|---|
| Sol ouvert | Brillant, direct, très chantant | Riffs, slide, blues-rock, folk | Les formes mineures demandent un nouvel apprentissage |
| Ré ouvert | Plus grave, plus ample | Slide, fingerpicking, accompagnements atmosphériques | Demande souvent plus d’adaptation sur les graves |
| Accordage standard | Polyvalent, équilibré | Tout le répertoire courant | Moins immédiat pour les couleurs ouvertes |
Dans la pratique, je vois le sol ouvert comme un compromis très intelligent: assez accessible pour être adopté rapidement, assez typé pour changer la manière de composer. Si vous aimez la résonance de l’accordage standard mais cherchez plus de relief sans basculer dans un système trop dépaysant, c’est souvent le meilleur point d’entrée. Et si vous voulez pousser plus loin, il faut regarder ce qui coince vraiment en pratique.
Les erreurs qui gâchent le résultat
La plupart des déceptions viennent moins de l’accordage lui-même que de la façon dont on l’aborde. Voici les erreurs que je rencontre le plus souvent:
- Accorder trop vite et négliger la stabilité de chaque corde.
- Oublier que la baisse de tension peut rendre certaines cordes plus souples et moins précises sous une attaque forte.
- Conserver un réglage de guitare pensé pour le standard alors que le nouvel accordage demande parfois un compromis différent.
- Utiliser un vibrato flottant sans vérifier l’équilibre général du chevalet.
- Essayer de jouer exactement comme en accordage standard au lieu d’exploiter les cordes à vide et les barrés simples.
Si la guitare frise un peu plus ou si l’intonation semble flottante, ce n’est pas forcément un défaut de l’accordage. C’est souvent un signe que l’instrument a besoin d’un réglage plus cohérent avec cette tension nouvelle, ou simplement d’un tirant mieux adapté. Une fois ce point compris, l’accordage devient beaucoup plus agréable à exploiter au quotidien.
Comment l’intégrer à un jeu vraiment musical
Je conseille de commencer avec un cadre très simple: un seul riff, un seul barré mobile et une seule progression. Par exemple, travaillez d’abord un balancement autour du sol ouvert, puis déplacez la même forme de barré sur deux ou trois cases pour entendre immédiatement comment la couleur change. C’est rapide, concret, et bien plus utile que de vouloir tout réinventer d’un coup.
Pour la composition, cet accordage donne le meilleur de lui-même quand on le laisse respirer. Laissez des cordes ouvertes sonner, évitez de tout étouffer à la main gauche et jouez davantage sur le contraste entre notes tenues et notes frappées. Si vous accompagnez souvent dans des tonalités proches, un capodastre en deuxième case peut aussi être une solution très pratique pour transposer sans perdre les formes apprises. En clair, il vaut mieux penser cet accordage comme un outil de couleur que comme une simple variante technique.
Le bon réflexe, au fond, est de traiter cet accordage comme une couleur de jeu et non comme une solution universelle: gardez-le pour les morceaux qui profitent des cordes à vide, des riffs courts et du slide, et vous en tirerez beaucoup plus qu’un simple effet de mode.
